Google parks old pay-to-play auction in front of European Commission – reports


Google appears to have revived an “auction-based fix” to vertical search competition complaints, according to Reuters.

Four years ago, Google proposed to “auction off” space on its search page, as a remedy to competition complaints that it favoured its own properties over rivals. The European Commission rejected it as inadequate at the time.

Vertical search specialists in shopping and maps were particularly badly hit when Google introduced these changes in 2006 and 2007.

European consumer organisations called for the functional separation of Google services, which are vertically integrated today. (pdf)

However Google’s proposal met a firestorm of criticism from the market. Critics argued that it turned punishment into a new revenue stream.

Google’s previous remedy created a space that took up no more than 10 per cent of the home page, in which rivals to Google’s services could bid for three slots. Merchants such as Amazon and eBay wouldn’t be able to bid, and only Top 500 sites were eligible: not startups. Google also wanted five years’ grace from any further competition investigations.

After some tweaking, it would look like this:

This contrasted with the randomised “browser ballot” the Commission accepted as a remedy for Internet Explorer competition concerns.

The elegance of the 2013 solution, for Google, was that it allowed the company to profit from the punishment.

Google’s critics have the same concerns if Google is indeed reviving the auction remedy in September 2017.

“It is difficult to imagine how Google could devise an auction mechanism that would not inflict significant additional consumer harm, both by further restricting competition and by aiding and abetting Google” writes Foundem, which formally complained to the European Commission about Google’s treatment of vertical search, kicking off the investigation.

In an auction-based solution, it is possible that nothing would stop Google from bidding on and winning the slots, it argues.

An auction would, “simply create an additional anti-competitive barrier—one that would formalise the transformation of free, relevance-based traffic into paid, pay-for-placement traffic for all services but Google’s own,” according to Foundem.

With the EU attempting to promote European startups, and no new competitor to Facebook or Google emerging in a decade, that could be a persuasive argument. ®

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Programming in the Middle Ages: Docker makes a lovely pair of trousers


Stob These days we hear a lot about luring the young away from happy, fulfilling careers and into the world of programming. The kids have been freed from the tedious yoke of the boring and ‘Microsoft-heavy’ ITC syllabuses courtesy of popular hero Michael Gove. Now every child receives more Raspberry Pi than rice pudding; double Python periods substitute for double French; and instead of class discussions about Regan, Goneril and Cordelia, they chat for hours with Siri, Alexa and Cortana.

However, with all this brouhaha, it has been forgotten that more mature programmers need loving too. Being auto-congratulated on a 17 year work anniversary by a recruiter robot which somehow got hold of your LinkedIn handle only takes you so far.

In a recent article, Don Denoncourt argues, and rightly argues, that old coders must struggle against unfair prejudices. Just because vintage techies hold their mobile phones at arm’s length in order to be able to read the ridiculously titchy text, there is no need to assume they won’t be bang up to speed with Docker. As it happens, I have an older friend who is a great fan and notable expert: he won’t consider any other trouser.

The time has come for the grey-haireds, ok, we grey-haireds to strike back against this atmosphere of mean-spiritedness and unfriendly ridicule.

Our medium-term plan must be to do what all disgruntled factions in the software-making world do: fork off our own implementation of Node.js. But this can only happen when we are ready.

(To clarify: the actual repo-forking is the work of a moment. The tough part is the framing of a suitable open source licence. We will struggle to outdo the fantastic Beloved Community License as seriously considered by some supporters of Node fork Ayo. Among other things, the BCL requires users of the licensed software to ‘recognize that reparations and atonement are a part of a needed healing process for the oppressed Multitude [sic]’. For our licence, I am planning something a little less ambitious; perhaps inserting a clause that encourages users to remember to put the seat down afterwards.)

For the short term, we need to raise awareness of our cause, and set out what we have to offer to the programming community. This is my mission for today.

Data structures

You may be surprised to learn that silver coders have our very own, specially adapted data structures. This is because oldies are often more used to situations with very heavy memory constraints.

One of the most popular is the Implied-Content Single-Linked List (ICSLL). As its name suggests, the content is not known at the time the list is constructed – it is, if you like, a list of promises. (‘We promise to look the thing up on Google if we must.’)

All this can be difficult to digest in the abstract. Time for an example. Here is a conventional linked list of strings:

Here is its ICSLL encoding:

>>> I'm talking about that princess of Star Trek who died and there was a plane
|
>>> Oh, God, I remember, what's her name? and then her mother went too! It was so sad
|
>>> Yeah and the mum was in that old film with that man who could dance

Note that, as with all singly linked lists, it is only possible to traverse an ICSLL in the forwards direction.

Manipulation is straightforward. For example

>>> Oh, is that the film with the dance 'wot' the wig-hairy-legs-play man spoofed?

appends an item to the ICSLL:

verity stob

whereas the action

>>> Actually, I was thinking of that cute womble-thing that lived on Waterloo Station

performs an in-place substitution of the current value:

verity stob

Algorithm nerds will naturally be wondering how fast these operations run: the answer is, of course, O(um).

RAM, disk and other storage capacities

Silver coders always understate memory capacities by a factor of at least 103, and sometimes 106 or even 109.

So when an oldie says “I think you should consider putting in another two gig drive in the NAS box”, or “Phil’s just got a new 128MB iPhone. Looks like he’s going to be downloading a lot of porn”, do not snigger or pretend not to understand what she means. If I may borrow an American idiom here, you do too know what is meant, perfectly well.

The problem is that, when the SI prefixes ‘mega’, ‘giga’, ‘tera’ and, so help me, ‘peta’ are stored in the human brain, they are all sufficiently similar to get stored in adjacent memory slots. When brain cell decay starts to kick in, the selection mechanism fails, and simply reverts to what would have been the right answer in 1998.

Shuddup laughing. This is a serious theory, OK? Nobody ever confused ‘kilo’ and ‘mega’, because the two words are not dressed in the same cute clothes. It’s larboard and starboard all over again, I tell you. One day there will be a ghastly accident, and then we will all be sorry.

Message passing

Message passing is long established as a technique for moving data around a distributed system. Erlang, to name but one example, comes with a much-admired architecture enabling the development of robust communications between many lightweight processes.

The silver coder version of message-passing differs from other implementations in that, instead of transmitting information from the sender to the receiver, it instead transmits a packet of anti-information. After the message has arrived, paradoxically, the receiver has less information available than at the start of the transaction.

Again, a brief, practical example clarifies:

Verity: There’s no native driver, so we’ll need some generic way of communicating with the plant. Dave, what’s the name of that awful API we use to talk to PLCs? You know, the bloody dreadful thing that’s based on COM?

Dave: Oh God. I could have told you if you hadn’t asked me. Do you remember the time I spent three days trying to set it up on site? Arse hats! Will will know. Will, what’s that crappy comms standard where you have to spend hours poking around in DCOMCNFG, and you end up making the Guest account an administrator, and it still doesn’t work?

Will: Argh. Argh. It’s on the tip of my tongue. I think it’s got an ‘F’ in the name. Or maybe a ‘J’. You mean the one that forces you to open up a multi-port hole the size of the Thames estuary through the firewall? That always goes down like a cup of cold sick with IT? Buggabuggabuggabugrit. I DO know the answer… Rog, what’s that API…

The anti-message carries on being passed around until a more youthful colleague enters the room and says “OPC“. Then everybody can relax, and sip tea, and resume browsing websites for cheap, term-time holidays.

Skills

We silver coders are absolutely up-to-date with the latest skills, as illustrated by this fragment of conversation I had recently:

Verity: I see that functional programming is coming back into vogue.

Another Silver Coder: Ha! These young ones know nothing. Round we go again.

VS: Yes, the youngster I was chatting to the other day was astonished to learn that I did FP at college.

ASC: Not just functional programming. We used to do lots of procedural programming too. We used Pascal, so we could do both, because Pascal has functions and procedures. Not like Java.

VS: Um.

ASC: Actually the best programming was GOSUBal programming in GW-BASIC. Set F% to the function you wanted and just GOSUB 32000. Mark my words, that will come round again soon.

VS: Yup. Indeed. Hum. By the way, did you hear Phil’s got a new 128MB iPhone?

Actually, to be serious for a moment, we older programmers are always careful to keep up to date with all the latest developments. I was only talking to my colleague Dave the other day, and I said to him: Dave, where do you stand on Docker? And he replied

[Reader’s voice: VERITY! Stop! You did that gag in the intro!]

So I did. Keep your hair on. No need to shout. Just a little mistake.

I blame all the subheads they put in – it’s like going into a different room to fetch something.

Conclusions

Now I did have a really grand conclusion planned for this piece, but you put me off back there, shouting.

It was all about raging against the fading of the brain, somehow cleverly incorporating references to the Today programme’s bizarre decision to put regex puzzles on the wireless, a medium to which the self-evidently don’t belong. Never mind. It’ll come to me in a moment. ®

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RIP Stanislav Petrov: Russian colonel who saved world from all-out nuclear war dies at 77


Quiet hero faded to relative obscurity

Not all heroes wear capes – some wore Soviet uniforms … Stanislav Petrov (Credit: Queery-54)

Obit Stanislav Petrov, one of the unsung heroes of the Cold War without whose guts and intelligence you wouldn’t be reading this, has died at the age of 77, his son has confirmed.

Petrov was a former Lieutenant Colonel in the Soviet Air Defence Forces and was duty commander for the USSR rocket forces on September 26, 1983. His job was to monitor the satellites watching for launches from American ICBM forces. On that day first one, then four more launches were detected.

“An alarm at the command and control post went off with red lights blinking on the terminal. It was a nasty shock,” Petrov told Moscow News in 2004.

“Everyone jumped from their seats, looking at me. What could I do? There was an operations procedure that I had written myself. We did what we had to do. We checked the operation of all systems – on 30 levels, one after another. Reports kept coming in: All is correct.”

You have to remember that, at the time, the world was in a state of paranoia that makes today’s shenanigans with North Korea look like very small beer. In the US, Reagan was publicly calling the USSR the “evil empire” and Russia – a nation armed with tens of thousands of nukes and the rocket technology to deliver them – was convinced he was seriously considering nuclear war.

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Can North Korean nukes hit US mainland? Maybe. But EMP blast threat is ‘highly credible’

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On the Soviet side, the communist state was so paranoid that earlier that month it had shot down a Korean passenger jet that had accidentally wandered into Soviet airspace, killing all 269 passengers and crew, including a serving US congressman. That tragedy led to Reagan opening up the military GPS system for commercial traffic.

As a result of the Korean incident, Soviet forces were on alert. Petrov was on duty at his station in a bunker outside Moscow running the Oko early warning system of geostationary satellites that had been looking out for the flash of an ICBM launch since the system went live the previous year.

Petrov’s job wasn’t to push the metaphorical red button, but to warn Soviet high command if it might need to. If an ICBM was launched from a US ground launch site, it would take about 30 minutes to reach the motherland, and it was highly likely that Soviet commanders would trust his launch recommendation.

Has this thing passed QA tests?

But Petrov knew that the Oko system was new and still had bugs to iron out. He also knew that logically the US would never launch just five missiles against the USSR and await retaliation – first strike doctrine was that you threw everything you could at the enemy in hopes of blunting the response.

So Petrov held back from letting his superiors know until he could correlate Oko’s data against other sources. As a result it was found that, due to faults in the system, what Oko had been detecting were flashes of sunshine on the tops of heavy clouds.

While initially Petrov was praised for his perspicacity, that didn’t last. Before long top brass acted against him, demoting the officer for a paperwork error. He got the message and retired a year later to become a military contractor.

“If I was to be decorated for that incident, someone would have had to take the rap – above all, those who had developed the ballistic missile early warning system, including our renowned academicians who had received billions and billions in funding. So I should be thankful not to have been thrown the book at for that log,” he said.

Petrov’s story wasn’t known until 1997 after a Russian general revealed the incident in his memoirs. Petrov finally got the recognition he deserved, won multiple humanitarian awards, and in 2014 a film was made about his exploits.

Youtube Video

But Petrov himself wasn’t keen on all the attention. “I’m not a hero,” he said. “I was in the right place at the right time.”

The right time for all of us. A 1979 US government study [PDF] into the effects of a nuclear exchange estimated that 40 to 60 per cent of the world population would have been dead within 30 days, and the casualty rate could have been 90 per cent in the decade following a war. There would have been no internet, probably no power and – as this hack was living next to a target – no one writing this. ®

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So schön diese Landschaft, die kann man, einmal ge…


So schön diese Landschaft, die kann man, einmal gesehen, bestimmt nie wieder vergessen. Wie herrlich muss die Ruhe dort sein und die frische Luft! Das erste Bild nimmt mich besonders gefangen, darin könnte ich mich so richtig verlieren.
Blü10 in der Flasche – und diese Bschreibung im Zusammenhang mit Bier?? Das kann ich mir jetzt gerade überhaupt nicht vorstellen!
Liebe Grüße, Margit

Noise-canceling headphones with a DO NOT DISTURB light can't silence your critics


Jabra’s Evolve 80 will hush your office, but the red warning ring is mere bling

The Jabra Evolve 80 noise-canceling headphones with boom mic

EARS-ON TEST The Register‘s Sydney eyrie will soon be demolished, so Vulture South needs a new office and we’re probably going to nestle into a shared workspace.

Which is why I decided to try out the Jabra Evolve 80, a pair of noise-canceling headphones that feature red lights on the earpieces designed to warn people you do not wish to be disturbed.

The headphones ship with a small round “puck” that has a few functions. Firstly, it charges the headphones, courtesy of a USB cable intended to lodge in your PC or Mac. There’s also a volume control and a mute button. The star of the show is a button that when tapped turns on a scarlet LED to enable the Do Not Disturb function.

Tapping the puck also turns on an angry red DO NOT DISTURB ring on each earpiece.

Sadly, those red lights look like bling, not a warning to back off and leave the wearer alone. So colleagues and visitors to Vulture South just saw me wearing pretty headphones rather than receiving a visual signal that I wanted to work without interruption.

The Evolve 80s’ noise-canceling is excellent. So excellent that colleagues resorted getting in my eyeline and gesticulating to demonstrate their frustration with my inattentiveness. Explaining the concept of the red lights produced unsympathetic half-apologies for their frenzied attempts to get my attention.

There’s a second or two of lag before noise-cancellation kicks in, but once it does a very pleasant hush descends over the world. I found the cans killed noises like heater fans or aircon. Music smoothed out without losing contrast. At home, where my teenaged kids turn our floorboards into drums every time they walk, the thump smoothed to a thud, my dishwasher was silenced and birdsong banished. Even the low-flying aircraft that keep my neighbourhood affordable were pleasingly muted.

Speaking of planes, I adore wearing noise-canceling headphones on them because I emerge feeling considerably more refreshed than when my ears are assaulted by hours of noise. The Evolve 80s don’t ship with a plane adapter, but I had one to hand and took it and the headphones aboard an A330 for the eight-hour hop to Singapore. I found the plane’s twin engines lost most of their low-end rumble and roar, leaving just my tinnitus and a bit of hiss to contend with.

The phones are, however, a little plasticky and over eight hours made my ears sweaty at times. I was glad to remove them on arrival.

The Evolve 80 also feature an an artfully-concealed boom mic that hides on its headband and swings down over your cheek. I used it to record a podcast and for about a week’s worth of conversations with zero complaints about voice quality. Sadly folding the mic away twists the earpiece into a position from which the whole device no longer fits easily into the supplied neoprene case.

I liked the Evolve 80, although as their list price of US$329 is more expensive than Bose’s $US280 QuietComfort 25 wired headphones, and the same price as Bose’s wireless model 35, the microphone and warning lights don’t come cheap.

For what it’s worth, Jabra’s Evolve 75 have the same lights and microphone as the 80 but add dual Bluetooth radios. The idea is that one connects to your phone, the other to your PC, so you can listen to whatever’s happening on screen and handle phone calls without having to mess with configurations. While Bluetooth-to-airline-seat-three-pin-headphone-socket adapters exist, such a device would have to be turned off at various moments of the flight and represent an extra layer of hassle I’m not willing to wear. But the Evolve 75 is cheaper – list price $US279 – so look a sound alternative if you don’t fly a lot.

Either pair of Evolves would, I suspect, make a shared workplace easier to endure. But I suspect explaining the warning lights to a revolving cast of hot desk-using casuals will be more hassle than just putting up with the occasional interruption. ®

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heiligenleven : de heilige Afra


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Rechter Gaius: “Offer aan de goden, het is beter voor je om te leven dan de folterdood te sterven”.
Afra antwoordde: “Ik heb al voldoende in mijn onwetendheid gezondigd dan dat ik er mij nog die, welke u van mij vraagt, aan zou toevoegen”.
Rechter: “Ga naar het Kapitool en offer.”
Afra: “Christus is mijn Kapitool, Hem houd ik steeds voor ogen, Hem belijd ik dagelijks mijn misstappen, aan Hem bied ik mijzelf aan als een vrijwillig offer.”
Rechter: “Ik hoor dat je een slechte vrouw bent. Offer dus, want je hebt geen deel aan de God der christenen.”
Afra: “Mijn Heer Jezus Christus heeft gezegd dat Hij uit de hemel is neergedaald omwille van zondaars.”
Rechter: “Offer, dan krijg je weer minnaars en geld op zak.”
Afra: “Nooit meer zal ik zulk smerig geld aannemen. Het geld dat ik had heb ik als vuilnis weggegooid.”
Rechter: “Je kunt geen christen zijn, je bent een slechte vrouw.”
Afra: “Mijn enig recht op de naam christen is dat God barmhartig is.”

Rechter: “Hoe kun je nu weten dat Christus je aanvaardt?”
Afra: “Doordat Hij toestaat Hem te belijden voor uw rechterstoel.”
Rechter: “Dat zijn toch allemaal maar verhaaltjes. Vooruit, offer!”
Afra: “Christus is mijn verlossing: toen Hij aan het Kruis hing, heeft Hij het paradijs beloofd aan de rover die Hem beleed.”
Rechter: “Houd me niet zolang op met je praatjes, houd op met die dwaasheid en offer, anders laat ik je folteren en levend verbranden.”
Afra: “Laat dit lichaam, dat zo gezondigd heeft, maar lijden.”
Toen velde de rechter zijn vonnis. De beulen grepen haar en sleepten haar naar een eiland in de Lech, rukten haar de kleren van het lijf en bonden haar vast aan de paal van de brandstapel. Toen sloeg zij haar ogen naar de hemel en bad wenend: “Heer Jezus Christus, almachtige God, Gij zijt toch gekomen om de zondaars te roepen en niet de rechtvaardigen, om ze te bekeren. Aanvaard nu de boete voor mijn hartstocht, en red mij door dit tijdelijke vuur dat mijn lichaam moet verteren, van het eeuwige vuur dat zowel het lichaam als de ziel verbrandt.”
En uit het vuur kwam nog steeds haar stem: “lk dank U, Heer Jezus Christus”. En zo gaf zij de geest, in het jaar 304.

uitg. orthodox klooster Den Haag – met toelating

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Haar graf in de crypte van st.Ulrich in Augsburg

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Haar marteling

 

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Byzantijnse liturgie : “Vele Israëlieten zal hij bekeren tot de Heer hun God. Hij zal voor Hem uit gaan … om voor de Heer een volk in gereedheid te brengen” (Lc1,16-17)


 

 

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Plein Air Painting Retreats and More!



Painting in Nova Scotia

[If you already receive my newsletter and have seen this, my apologies! But if you’re not a newsletter subscriber, you can sign up here.]

September 2017
Campobello Island, NB, Canada


Trina and I just returned from a fantastic painting retreat in Nova Scotia. Our group was based near famous Peggy’s Cove, which has a great reputation among painters and photographers. If you’d like to read about our experiences on the trip, I’ve written two blog posts about it, Part 1 and Part 2.

Now that we’re back, we are on the verge of packing up and driving west to our home and studios in New Mexico! It’s hard to believe summer has passed so quickly.

Workshops

Some of you may have noticed I am scheduling fewer plein air painting workshops these days. Well, I’m not retiring so much as I am refocusing. If you’ve taken a workshop with me, you know how much I enjoy sharing what I’ve learned over the years. I don’t intend to stop. But many of my students have asked for a different kind of program, one in which we explore not only more advanced topics but also new locations. With that in mind, I’ve been testing the waters with a series of painting retreats for the experienced painter, and the feedback has been wonderful.

Paint the Southwest!

Now that we’re back from this latest retreat, let me tell you about a new one in New Mexico. This state has a very special place in our hearts; when we first moved to the Southwest back in 1999, those hills were the introduction to a place vastly different from our roots back east. One reason we love the area is that it’s been home to several cultures for hundreds of years, including Native Americans (Navajo, Zuni and Acoma), old Spanish families, and the more recently arrived Anglo ranchers. But for me as a painter, it’s also rich artistically, having a long history of painters and artisans. And the scenery! You can spend a lifetime painting its mesas and hills and mountain streams.

Why am I telling you about New Mexico? Because this will be the home for a special series of retreats that starts in the spring. I’ll be offering private, one-on-one study for painters with experience. This program will be completely customized to your needs—it can include fine-tuning your painting skills, introducing you to new ways of seeing (and therefore, painting), the business of painting, or whatever I determine would help you best, based on a consultation via either e-mail or telephone. The program includes six nights’ lodging at our home (private bed and bath), three meals a day, and more. Cost for the program is only $1500 and includes followup consultations for three months after the program. For full details, visit www.PaintTheSouthwest.com.

Paint Santa Fe!

I’ll also be offering a retreat in Santa Fe, April 16-23, 2018. Unlike the mentoring retreats at my studio, this will be a small group of painters exploring Santa Fe with both brush and camera. In previous retreats in Santa Fe, we’ve painted the historic Pueblo Revival adobes and cottonwoods, visited the galleries on famous Canyon Road and journeyed out to a historic Spanish hacienda for a day of painting. Cost is $1000 per person, which includes lodging and breakfast and lunch. Space will be limited to only six or eight participants. If you’re interested, let me know right away, and I’ll send you details.

Paint Lubec, Maine!

Another very special retreat will be in Lubec, Maine, August 13-17, 2018, for experienced painters. I want to give past students the first shot at this, so if you’re on my student list, watch for a separate e-mail on that. After October 1st, I’ll be opening the retreat up to the general public.

I’m also planning retreats and workshops abroad. Although the Scotland trip for next spring is filled with a waiting list, I do have space in my Italy trip, which is June 16-23, 2018. We’ll stay at historic Villa Fattoria Bacìo in Certaldo Alto with painting excursions to Siena, La Meridiana, San Gimignano and Barberino. For full details on this, you can download the flyer here.

Finally, I want to remind you that I will continue to teach workshops for art groups and workshop centers. If you’d like me to teach one for your group, please let me know. I have a list of upcoming ones on my website.

Exhibitions

This July saw the opening of the Third Acadia Invitational at the Bar Harbor Inn (Maine). Organized by Argosy Gallery, the reception had a great turnout. I was pleased to meet many of the participating artists that evening. The show has now moved to Argosy II, the gallery’s second location on Mt Desert Street, just off the town green. It’ll be up through October 2018. (Sold paintings will be replaced by the artists.) You can see the paintings on the gallery’s web site here.

I’m also coordinating the annual exhibition for Plein Air Painters of the Bay of Fundy for next August. The exhibition will be in Saint Andrews, New Brunswick. Stay tuned for details!

That’s all for now. Trina and I will shortly be on our way to New Mexico. I’ll send everyone a note once we are there!


Michael Chesley Johnson, AIS PSA MPAC PSNM
www.MChesleyJohnson.com

eerste zondag na de Kruisverheffing


 

 

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De torres fantasmales en la ciudad policromada


Mural en Río Piedras, foto de Ricardo Alcaraz, Diálogo.

A Yudit de Ferdinandy

Uno de los primeros libros que edité bajo la jefatura de Neeltje van Marissing Méndez en la Editorial de la Universidad de Puerto Rico, Escrituras en contrapunto, exhibe en su portada la reproducción de un mural urbano que ofrece una visión inusual, y al mismo tiempo familiar, de la torre de la Universidad: Un encapuchado gigante, con cara de niño y manos de camionero, sostiene una honda. De la honda, suponemos, sale la piedra o proyectil que impacta un platillo volador que se precipita sobre el poblado de Río Piedras. Una estela de bruma azul y negra anuncia la inminencia del desenlace.

Hacia la derecha de la imagen, impasible y ajena al cataclismo, lívida como un zombie que desconoce que lo es, la torre universitaria (un tanto fálica, de hecho), sigue erguida y conserva, en su aislamiento, cierta dignidad de cosa antigua. Mientras tanto, aunque van a recibir el tortazo del OVNI, los edificios donde viven muchos de nuestros estudiantes y profesores multiplican y recomponen sus formas y colores. Solo el cuerpo del muchacho o la muchacha media entre torre y ciudad. La mano que sostiene la honda tiene el color desvaído de la torre universitaria y la que lanza el ataque ─adivinaron─, se mezcla con los colores de la ciudadela.

La imagen viene a cuento porque en agosto de 2017, contra todo pronóstico de extinción otra torre universitaria, la revista La Torre, publica en formato impreso un volumen nuevo después de un hiato de siete años. Toda una aparición, “Ciencia ficción y literatura fantástica del Caribe” (AÑO XVI, NÚM. 57-58 T.E., 2017), fue preparado por Melanie Pérez y Rafael Acevedo, catedráticos del Recinto de Río Piedras y organizadores del Congreso de Ciencia Ficción y Literatura Fantástica del Caribe Hispano en la Universidad de Puerto Rico.  El tema monográfico retoma el aliento regional de los títulos que, hasta ahora, podían considerarse el “canto del cisne” de esta publicación seriada: “Europeos y antillanos, la jornada trasatlántica” (AÑO XVI, NÚM. 51-52), “Los americanos” (AÑO XVI, NÚM. 53-54) y, especialmente, el dedicado a  “Nuestros detectives, la novela policial iberoamericana” (AÑO XVI, NÚM. 55-56). El cuidado editorial y producción del nuevo número estuvo en manos de Sonya Canetti Mirabal, quien dirigió entre 2006 y 2009 el Departamento de Edición de la Editorial. Las ilustraciones de portada e interior son reproducciones de obras del artista Philip Cruz.

La impresión de este ejemplar, que coincide con el septuagésimo aniversario de la Editorial de la Universidad de Puerto Rico es, a su manera, un poema concreto. En este caso, como en el cuento de Monterroso, “Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí”.  A veces, comentar sobre el contexto en el que se gestiona una publicación, importa tanto como reseñar su contenido.  Situar los contenidos del número corresponderá a la crítica literaria profesional. En este artículo, importa que nos ocupemos del OVNI, de la torre zombi y de los colores de la ciudadela, metafóricamente.

Desde 2010,  con relativo silencio ha transcurrido el drama de  La Torre, hasta prácticamente hacerla desaparecer del mapa académico puertorriqueño y quedar, como la torre del mural, reducida a visión holográfica.  A su hermana mayor y, hasta cierto punto tutora, la Editorial de la Universidad de Puerto Rico, no le fue mucho mejor. Dada por muerta a nivel mediático en la misma fecha, y escarnecida y rematada públicamente gracias a un libro de particular notoriedad, la Editorial retomó en 2014, con una reducción de presupuesto, personal y obras, la impresión  de novedades de pertinencia y calidad universitaria (cursiva nuestra, ya que la edición textual nunca se detuvo). A lomo de tigre: Homenaje a Luis Rafael Sánchez, editado por William Mejías; Escrituras en contrapunto, de Juan Gelpí, Malena Rodríguez y Marta Aponte, eds.; y la biografía y libro de arte, Compostela. Escultor, de Carmen Vázquez Arce,  marcaron el regreso de la Editorial a este mundo.

Que el curso de ambas instituciones, la Editorial (1947)  y la Revista (1953), anden bastante parejos, no es de extrañar, ya que comparten “denominación de origen”: ambas surgieron por iniciativa de Jaime Benítez cuando el Recinto de Río Piedras era considerado “la” Universidad, y migraron, en tiempos modernos, a formar parte de lo que hoy se conoce como “la Administración Central”. Este solo dato explica por qué las marcas de la Editorial y de la Revista usan el logo de la torre de Río Piedras, aunque ─de facto y simbólicamente─, hace tiempo se separaron del recinto y, en ciertos períodos, de la academia. Esta desvinculación física y administrativa de los espacios donde la Universidad es y actúa, es un anti poema concreto, demasiado macizo, que parece hablar de un distanciamiento artificial y artificioso que ha dejado a estas dos torres, la de la Revista y la de la Editorial, sin defensa, que es lo mismo que decir “sin ciudad”.

En general, cuando a la Editorial le va mal, a La Torre le va peor.  Si la primera tuvo, en los últimos siete años, cinco directores, la segunda no tiene director ni directora desde que despidieron al escritor Edgardo Rodríguez Juliá en 2010, ni Junta Editora (la última estuvo formada por Beatriz Cruz y Armindo Núñez). Y desde que se jubiló Yudit de Ferdinandy, memoria institucional de la Revista y “guardiana” por más de tres décadas de la continuidad en la edición, impresión y suscripciones ─con o sin directores─, la Revista carece de “Gerente de Redacción”. Antes que Rodríguez Juliá la dirigiera brevemente, los últimos directores en propiedad que gestionaron un catálogo digno de la reputación internacional de la Revista, fueron Arturo Echavarría (entre la década de los 80 y los tempranos 90) y el poeta Jan Martínez (a mediados de la década de los 90 y principios de los 2000). Entre 2010 y 2017, poco se supo de la Revista La Torre más allá de un par de artículos de periódico que reclamaban su rehabilitación.

Es cierto que las revistas académicas, en general, han visto en el siglo XXI dificultades económicas para continuar vigentes en el formato impreso. Y las que no han desaparecido, se han revitalizado cruzando al medio electrónico, el cual es estupendo para el acceso y la divulgación internacional. La Torre no es la excepción, y en 2015, por iniciativa de la Directora de la Editorial, se inició el proyecto de digitalización de la revista, que se completó con la colaboración de la Colección Puertorriqueña de la Biblioteca José M. Lázaro del Recinto de Río Piedras y María E. Ordóñez. Los ejemplares están disponibles para lectura gratuita o descarga a bajo costo en la página web de la Editorial de la Universidad de Puerto Rico (www.laeditorialupr.edu).

En este contexto, la impresión del número XVI:57-58 delegada en manos de dos académicos de la presente generación, y al cuidado de una profesional de la edición es, más que un regreso, otro modo de hacer la Revista, una apuesta a favor de las fuerzas vivas de la Universidad: sus intelectuales.

Que la presentación de “Ciencia ficción y literatura fantástica del Caribe” coincida en el tiempo con el despido de la Directora Neeltje van Marissing, y se dejen las sedes vacantes en ambas torres (Editorial y Revista de la Universidad de Puerto Rico), retoma y redondea la metáfora visual que sirvió de marco a este escrito: el platillo volador azotó y azotará varias veces más todas las torres de la Universidad, pero no son jóvenes encapuchados quienes tiraron ni tirarán la piedra.

Mientras tanto, el futuro anda suelto; no es doncella encerrada en la torre desvaída pero terca en su gravedad de dinosaurio, ni sabio enclaustrado en el cuadrángulo de la Facultad de Humanidades. Su actividad prospera y se multiplica en las afueras, donde repiensa sus formas y colores.

 

*El mural comentado es una obra colectiva de David Zayas y Rubén “Sheto” Luciano de “eltaller.de”, junto a 16 talleristas de “Arte joven para líderes: Acción artística para la comunidad”, y el Museo de Arte Contemporáneo (2012).

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Defrosted starter for 10: Iceland home delivery site spills customer details


Iceland’s home delivery service exposed sensitive customer information for months until the problem was plugged this week, a UK security researcher discovered.

Paul Moore went public with his findings after failing to get the retailer to act even 12 months after first reporting the issue. Public disclosure finally prompted action from Iceland where private reminders had failed, he said. The flaws were resolved shortly after Moore went public on Wednesday.

The issue revolved around home delivery confirmation sheets and an associated Iceland-run website. When customers placed an order with Iceland for delivery, the driver handed them this sheet… which customers had to sign to accept delivery.

Too much information: Iceland’s home delivery sheet [source: redacted picture from Paul Moore]

Moore noticed to his consternation that this sheet contained all other customer names, addresses and telephone numbers on that delivery route.

That was bad enough, however there was also an IP address at the top right of the sheet (http://54.75.255.8) and this led to an insecure site.

“This is the login portal for Iceland’s scheduling system. It requires a username & password. However, clicking the ? tells you the password is the 4 digit store number (on the sheet they hand you!),” Moore said.

Iceland home delivery site [source: Paul Moore]

All someone would have needed at this point to access sensitive data on the site was a username but this too could be guessed, Moore explained.

“A quick look at the source code reveals a now defunct ‘secret question’ feature. It also has this line… “store_number : $(‘#id_username’).val()” … suggesting the username should be the store number too. Amazingly, entering both “0287” as both username & password logs you straight in, providing access to everything.”

Nasty.

Fortunately the security vulnerability was plugged hours after it went public.

Iceland told Moore that it had applied a fix so external users couldn’t access the site any more (it is IP-limited now). The UK supermarket, which specialises in frozen goods, is also said to be working on changing the way its ePOS system works across the stores too, so they’ll no longer need delivery sheets.

In response to queries from El Reg, Iceland sent a statement acknowledging the now resolved issue and thanking Moore for bringing the problem to its attention.

We are confident that only a limited amount of data, and a limited number of stores, were affected and we implemented the necessary changes as soon as we were made aware of the issue yesterday [Wednesday] morning.

The privacy of our customers is of great importance to us and we will continue to do our utmost to ensure that this is properly protected.

Moore credited Iceland for acting quickly after he went public while faulting the retailer for not acting on private reports of problems despite repeated reminders on his part sent through multiple channels of communication. Even flagging up the issue to data privacy watchdogs at the ICO failed to move things along. ®

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Simeon de nieuwe thheoloog : “Jezus raakte hem aan, en sprak: Ik wil het; word gereinigd”


 

 

 Welkom op mijn blog met informatie over de

Orthodoxie. Teksten, bezinningen, theologie

Foto’s……….

 

Gezangen uitgevoerd door het koor van de orthodoxe kerk van Gent

 olv. Paul Morreel

 

 

 

 

  De teksten van  de gezangen kunnen teruggevonden worden in de rechter kolom 

start nummer één en ga dan naar de tekst in de rechterkolom.

 

INHOUD VAN MIJN BLOG   (klik)

Om gemakkelijk te vinden wat je zoekt !!

 

Signs of ground ice found on ancient protoplanet asteroid Vesta


Scientists have found evidence that there may be ground ice on Vesta, the brightest asteroid visible from Earth.

It’s not the first time that ice has been detected on space rocks, and it adds credibility to the idea that asteroids may have brought water to Earth’s oceans. As asteroids crashed into Earth, the impact would have melted the icy deposits, leaving large pools of water.

A paper published in Nature Communications describes how radar data from NASA’s Dawn spacecraft reveals that a variation in signal reflectivity shows Vesta’s surface is rough and pock-marked. But unlike the Moon, the patterns cannot be fully explained by craters and are instead signs of ice.

Dawn uses a technique known as “bistatic radar.” Beams of radio waves are sent down to Vesta, and the signals are reflected back and decoded by scientists working at NASA’s Jet Propulsion Laboratory.

A team of scientists found that large areas with high radio reflectivity and surface smoothness, over hundreds of square kilometers, also contained strong hydrogen concentrations, measured by Dawn’s gamma ray and neutron detector instrument.

A model of Vesta’s surface. The bluer regions highlight smoother areas with higher concentrations of hydrogen (Image credit: Elizabeth Palmer and Essam Heggy)

Essam Heggy, co-author of the paper and a researcher at the University of Southern California, described the radar signal as “seeing a flame from a lighter in the middle of day from the opposite side of the United States.”

It “suggests that potential ground-ice presence may have contributed to the formation of Vesta’s current surface texture,” according to the paper.

Vesta is the second-largest asteroid floating in the Solar System’s asteroid belt, between Mars and Jupiter. It has a mean diameter of 525 kilometres (326 miles). Together with Ceres – a dwarf planet with a diameter of 945 kilometers (587 miles) – both rocks are ideal targets to study the Solar System’s origins, because they are leftover remnants that did not get swept up by the rocky planets billions of years ago.

It is believed that the sheer size of Vesta means it could have a core and mantle, just like Earth.

Heggy told The Register that the team hopes to perform similar measurements on Ceres to “compare the surface roughness properties of the two asteroids and how they correlate with subsurface hydrogen concentration.”

“We hope to understand ice enrichment on asteroids and how that ice shaped the surface of this unique body. Also, how many other asteroids could potentially bear ice, to what extent, and, if so, what role did asteroids play in water transport across the solar system?” ®

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Frente al vacío, a rescatar el futuro


…de Pedro y María, de Juan y José.
-Daniel Viglietti

Nos vemos obligados a tomar estas medidas a ver si podemos cambiar estas leyes que son la opresión del pueblo pobre.
–Rescatadores de Villa Eloísa

Familias desalojadas de sus propiedades por expropiación y como consecuencia, comunidades desmanteladas y desarticuladas; personas desposeídas por los bancos que ejecutan sus hogares, el derecho hipotecario siempre se impone; edificios vacíos, abandonados, desocupados, una ciudad fantasma mientras hay miles sin hogar; a diario los tribunales ordenan el desahucio de familias que viven en arrendamiento y a las que no les queda más que emigrar. Se trata de políticas públicas y procesos distintos pero aunque cada uno de estos escenarios tiene un contexto diferente, la importancia y el reto está en hilvanarlos. El documental recientemente producido por la socióloga urbana Lilliana Cotto Morales, Desalambrando: la comunidad al rescate de sus tierras no puede ser más propicio para la conversación urgente de estos temas.

¿Qué tienen en común las personas que protagonizan estas historias hoy por hoy? ¿Cuál es su vínculo con otras del pasado? ¿Cómo trazar las continuidades y las fisuras de las estampas y políticas públicas que acaso conectan el pasado y el presente? ¿Tienen algo de continuidad o discontinuidad aquellas familias agregadas de las fincas cafetaleras, las que recibieron parcelas, las que ocuparon parte del área metropolitana en busca de empleo, con las que hoy arriendan subvencionadas, o con las expropiadas y aquellas desalojadas de terrenos rescatados o con las descendientes que hoy viven en vivienda pública? ¿Cómo se vinculan las políticas propietarias de la década de 1940 y subsiguientes con la crisis de ejecuciones de hipotecas que hoy día dejan a miles sin hogar?

Un acercamiento a la crisis requiere observar con detenimiento para comprender las condiciones estructurales que dan lugar a la desposesión y a los vínculos de estas personas que, aunque en principio parecen distintas, quizás baste hurgar un poco para ver los lazos en el tiempo. Quizás no se trate tanto de vínculos genealógicos como de clase, raza e incluso género, pero es muy difícil precisar. Sin embargo, algo podemos atisbar. De ahí que una de las imágenes más poderosas y que más me ha llamado la atención sobre estos temas es la de dos rescatadores de terreno de la década del 70 que en el 2016 se detienen frente a un solar vacío, el mismo solar que quedó vacío cuando los desalojaron forzosamente por invadirlo. El documental Desalambrando, producido por Cotto Morales nos ofrece la oportunidad única de observar junto a ellos ese vacío y comenzar a trazar paralelos, conociendo de cerca uno de los fenómenos sociales de mayor presencia en la historia social contemporánea en Puerto Rico: los rescates de terreno.

“No somos invasores, somos rescatadores”, así lo expresaron entonces y así lo reafirman hoy. Ellos, ellas, rescatadores de diversas partes del país -alrededor de 186 comunidades, 86,000 personas aproximadamente- ocuparon tierras –públicas y privadas- en dos grandes olas de rescates de tierras: de 1968 a 1972 y de 1972 a 1976. El proceso ha sido meticulosamente estudiado, analizado y recopilado por Cotto Morales, primero en su libro Desalambrar (2006) y ahora en este documental ya con una mirada más amplia en la que invita a los y las partícipes a presentarnos su narrativa. ¿Cómo se dieron los procesos de rescate en Campo Alegre (1972), qué tiene que decirnos de su experiencia una ocupante de allí que antes era propietaria y que a raíz de ser expropiada, la ocupación de tierras fue su alternativa? ¿Qué nos dice su experiencia sobre la saga de expropiaciones de las comunidades hoy día? Y así, otras conversaciones se trazan en el documental. Encomiable es también que en el proceso, las y los líderes comunitarios se reúnen, trazan una memoria, como el caso de los fundadores de Villa Margarita (1973), cuyo nombre se debe a la líder rescatista, aunque la tierra pertenecía a Margarita Blondet, “que vivía en el Caribe Hilton”, según ellos mismos recuerdan. Las y los participantes y narradores del documental recuentan experiencias como la del gran piquete maratón, una de las tomas de carreteras más significativas en Puerto Rico y la ocupación de la calle Fortaleza por semanas hasta que el entonces Gobernador los recibiera. Además, comparten perspectivas sobre la criminalización de varios rescatadores como los de Villa Kennedy y Villa Pangola, no hay que olvidar que el uso del derecho penal siempre ha servido para criminalizar la protesta y mucho más si se trata de un cuestionamiento a la propiedad privada. También nos hablan y exponen una radiografía de los tribunales y los profesionales del derecho en escenarios jurídicos masivos como los desahucios y los arrestos y el proceso político que se activó como consecuencia, así como quienes fueron los actores solidarios en este proceso y las razones que llevaron a ciertos grupos a apoyar o incluso a instrumentalizar los rescates.

En su libro Cotto Morales recoge narraciones, entrevistas, análisis de las experiencias en este movimiento, y le da sentido a lo ocurrido pero el documental nos permite darle continuidad a una segunda parte de su trabajo, a una mirada más de largo alcance y que incluye eventos de ocupaciones, rescates y desalojos en las últimas dos décadas del siglo XX, como es el caso de Villa Sin Miedo, los rescates en los noventa y nuevas modalidades de desahucios forzosos como el caso de la comunidad de Villas del Sol. El trabajo de Cotto Morales, como socióloga, estudiosa y activista tiene un valor incalculable. Desalambrando nos permite conversar y trazar paralelos con las crisis de hoy de vivienda, desigualdad, nuevas ocupaciones, en fin, desde la mirada de nuestras propias crisis podemos vernos en el espejo de quienes retaron otras crisis y se lanzaron a ocupar el vacío de su tiempo.

Pero además de las voces y narrativas que el documental recoge y la labor titánica de reunir a quienes osaron cuestionar la distribución de la propiedad desigual, me parece que hay dos aspectos que sobresalen de este trabajo. El primero es la puesta sobre la mesa de la pregunta por la distribución de la tierra, del espacio, si se quiere. La pregunta por la validez de los títulos originarios de la propiedad parecería desfasada. Más en un mundo que insiste ser postideológico. ¿Desde qué parámetro de justicia evaluamos la asignación actual de los recursos, de la riqueza? ¿Quién quiere preguntarse hoy día por eso?, se dirá. Pero como aún incluso plantea el teórico político liberal, Jeremy Waldron, la pregunta por la justificación de la propiedad privada siempre vuelve, aunque sea de formas distintas. También regresa la pregunta por la distribución de los recursos y de la tierra. Luego de la justificación de la propiedad privada, siempre queda la pregunta por la distribución de esa propiedad. A mayor desigualdad, mayor legítima se hace la pregunta. ¿Desde dónde y cómo se justifica un título de propiedad? Los rescates u ocupaciones de tierras, edificios, espacios, siempre plantean esas preguntas, intencionalmente o no, porque el rescate o la ocupación plantean la posibilidad de un título originario que desplace hacia una nuevo estado de cosas la distribución que se reta.

El segundo es la posibilidad de trazar líneas hacia un pasado que nos devele pistas y patrones que expliquen algunos aspectos del presente. ¿Hasta dónde llegaremos? Hasta donde haya que llegar para justificar un estado de cosas más justo, quizás. Frente al vacío, no ya de los solares meramente, sino de un proyecto de Estado que sea capaz de hacerse la pregunta por un nuevo contrato social más equitativo y justo, el documental Desalambrando ofrece algunos planteamientos para la conversación, la imaginación y la acción hacia lo común. Hoy, que nos enfrentamos a una crisis de grandes proporciones, en que los desahucios de arrendatarios, desalojos mediante ejecuciones de hipoteca, expropiaciones de las comunidades que a pesar de lograr su título de propiedad hoy día son expropiadas por el Estado y los municipios para darle a terceros con capital financiero, entender este proceso que se expone en Desalambrando es tarea obligada. Si hoy se ocupan solares y propiedades “abandonadas” o vacías para proyectos comunitarios o culturales, no puede verse el proceso como un fenómeno aislado de aquellos rescates que Cotto Morales nos narra y nos ilustra en este documental.

Trazar las continuidades y vínculos desde aquellas agregadas, de las parceleras, de quienes rescataron, de los descendientes que hoy alquilan vía subsidios porque no cualifican para comprar una propiedad, de quienes la compraron pero hoy el banco se las quita, de los y las desalojados, sería una forma de comprender el entramado subyacente entre riqueza y propiedad, entre capital financiero y desposesión, entre derechos y la precariedad de su contenido; entre la posibilidad de un futuro vacío o uno que rescatemos todos y todas.

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On the Road: New York Plein Air Painting Workshop



Painting along the Wallkill River

Some time ago, when I was looking for new places to teach workshops, I came across the Wallkill River School in Montgomery, New York.  What I liked about it was their mission:

Wallkill River School has been called Orange County’s first homegrown arts movement; mainly because we are the first arts organization with an agricultural component. We identified early on that our fate is intimately tied to our local farms, historic sites, and open spaces. Like our forebears; the Hudson River School, we seek to use our art as a way to raise awareness of and to benefit these important regional treasures. Arts generate tourism, and Wallkill River School generates agricultural tourism, heritage tourism, and brings in new arts audiences. 

This very much parallels my idea that landscape painters are stewards of the land.  So I was very excited when Shawn Dell Joyce, founder and executive director, invited me to teach a two-day workshop there.

My pastel of the Benedict Farm, 9×12

Though cool, the weather couldn’t have been any better.  We painted one day at the Benedict Farm Park along the banks of the Wallkill River; the second day, at the Hill-Hold Museum, with its beautiful buildings and landscape.   Each morning, though, we started out at the School’s wonderful Patchett House gallery and office, with art talk and critiques.  Shawn provided beverages and snacks each day as well as a bountiful lunch.



(Above photos by Shawn)

 I so much enjoyed the workshop here that I have scheduled another one for this fall, September 26 & 27, 2017.  Speaking of workshops, I want to remind you of my upcoming five-day plein air painting workshop in Rockland, Maine, for Coastal Maine Art Workshops.  Rockland has a beautiful waterfront, offering much for the painter.  If that doesn’t work for you, please keep in mind my four-day workshops in Lubec, Maine.  If you bring your passport, I’ll be happy to show you my studio on Campobello Island, right across the bridge!


Michael Chesley Johnson, AIS PSA MPAC PSNM
www.MChesleyJohnson.com

La Carpa de La Reina


Violeta Parra. “Contra la guerra”, bordado sobre arpillera.

Recordar a Violeta Parra en el centenario de su nacimiento (4 de octubre de 1917) no debe limitarse a la consideración evidente de que se la haya bautizado como la “madre de la nueva música chilena”. Ni siquiera al dato de que haya sido responsable de la recopilación de más de tres mil canciones[1] y de algunos instrumentos de la tradición popular prácticamente olvidados. O a que fuese una poeta natural y una cuenta cuentos, como asegura el profesor Sepúlveda, director del Departamento de estética de la Universidad Católica de Chile.[2] Violeta no solo retrató a Chile. Violeta, como mujer artista, vivió y representó la condición humana.

Magdeleine Brumagne, quien produce y dirige un documental en el que destaca la diversidad de medios en su expresión artística, recuerda la siguiente anécdota.[3] Al describirle el bordado de “Contra la guerra” le señala que ella era la primera de los cuatro representados, obviamente, porque “es del color de mi nombre”. Añadió que cada uno de los personajes mostraba sobre sí “su alma en flor”. Al momento en que Brumagne, ante las dudas de la cantora, le comentó sobre los méritos estéticos de los tapices, Violeta, emocionada, frente a cada uno de sus trabajos, fue entonando las melodías que correspondían a cada pieza. En ocasiones, también bailaba una cueca. Y añade: “Así como ella bailaba […] ¡con la mirada hacia su interior! ¡Fue la presencia de la pura belleza!”[4]

No es difícil pensar cómo para “la Violeta” las arpilleras eran canciones que se pintan. Sin embargo, lo que me parece más importante es lo que de por sí supone en cuanto a la presencia de una poética que la llevó a establecer interrelaciones a través de esta multiplicidad. No es un concepto extraño. Coincido con Michel Melot, quien fuese director del Departamento de estampas y fotografías de la Biblioteca Nacional de Francia, cuando sugiere que en la historia:

“La aparición de representaciones figurativas va sin duda ligada al desarrollo del lenguaje, que permite la figuración. […] la imagen mental precede a la lengua, pero la lengua precede a su materialización, que entonces es una especie de ideograma. […] De una imagen extremadamente codificada procede la escritura.”[5]

Tiempo después, es también Sepúlveda, quien nos advierte que, a través de esos puentes, logró unificar lo antiguo con lo nuevo; lo popular con lo culto; el mito con la cotidianidad.[6] Y es que para Violeta la síntesis de lo religioso con lo profano, de lo amoroso con lo político o de lo lírico con lo épico, aunque se ancla en lo nacional trasciende hacia lo universal.

En otros momentos, cuando la artista se refería a la imagen representada en la arpillera a la que se refiere Brumagne, añadía que: “Sucede que en mi país hay siempre desórdenes políticos y eso no me gusta […]En esta arpillera están todos los personajes que aman la paz”. [7] Tamara Estay, del Museo de Santiago, nos aclara, no solo sobre la importancia y trascendencia del arte de las arpilleras como manifestación artística popular latinoamericana, sino que subraya cómo es: “[…] un arte nacido de la adversidad y de la vida diaria, un arte que desafiaba el fascismo […] En inglés se dice burlap; en español pasó a significar la tela de la resistencia”. [8]

Violeta llegaría a exponer parte de su obra en el Louvre en París en 1964. Los trabajos para esa exposición no solo incluirían sus arpilleras sino también sus dibujos, pinturas al óleo y esculturas en alambre.[9] En el catálogo de la exposición, la historiadora Ivonne Brunner escribe:

“Violeta no es una desconocida en Francia. Utiliza un lenguaje poético y simbólico, dando un significado a cada tema, a cada color, sin por eso descuidar el lado plástico de su obra. Cada una de sus arpilleras es una historia, un recuerdo o una protesta en imágenes.”[10]

Una completa apreciación de su arte nos exige transgredir los tradicionales prejuicios que establecen límites entre el folklore, el arte popular y el arte culto. Desde un punto de vista antropológico, como el que podemos encontrar en María Dolores Juliano, la cultura popular, a pesar de haberse interpretado como subcultura específica bajo la cultura dominante, por su mera existencia desmiente la pretensión universalista de la cultura oficial. No es folklore ni cultura de masas, ambas propiciadas por la cultura dominante y desde la que pueden reproducirse como apéndices. Genera su propio sistema lógico que le permite explicar conceptualmente su entorno; conceptualización que, aunque de menor extensión de referencialidad, al hacer una lectura directa de su propia experiencia llegue a establecerse como propuesta alternativa desde la que deben nacer los nuevos humanismos, con contenidos, formas y enfoques, que incluyan las necesarias diferenciaciones de género, clases, culturas y etnias. [11]

No puedo evitar que se presente a mi memoria otra instancia conmemorativa y que claramente podemos relacionar con esta sin grandes dificultades y con muchas tangencias. La Facultad de Letras de la Universidad de Castilla-La Mancha organizó la jornada titulada Magritte y el surrealismo, mientras que la Universidad de Bruselas reunió, con el mismo motivo, un Coloquio Internacional con el tema de Magritte con el riesgo de la semiótica. Ambas se reunieron durante el 1998, año conmemorativo del centenario del nacimiento del pintor belga.

No se trata, ahora, de reseñar lo que allí se dijo, (ambas actas están publicadas), sino, más bien, de considerar otras posibles lecturas de las relaciones con el surrealismo y la semiótica de aquel que siempre describió su trabajo plástico como una actividad esencialmente poética. Iluminan un camino de acercamiento hacia el arte de Violeta. Decía Magritte:

“Mis cuadros son imágenes y me parece válido el intento del lenguaje que consiste en decir que se han concebido para ser signos materiales de la libertad del pensamiento.”[12]

Para entonces aclarar:

“Una imagen pintada no representa ideas o sentimientos sino que son los sentimientos y las ideas las que pueden representar la imagen pintada.”[13]

Para Magritte la creación de ese mundo tuvo siempre un objetivo específico: hacernos percibir lo que llamó “el misterio inexplicable de la existencia” descrito como “la misteriosa realidad que envuelve a los seres y a las cosas más allá del orden habitual y racional que ocultan las dimensiones profundas del dinamismo secreto de la vida”.[14] Sin embargo, este propósito excluía el intento de darle alguna explicación al “misterio” sino, en sus propias palabras, de “hacerlo sentir a través de las analogías e imágenes que instaura la inspiración del poeta”.

A propósito de El reino de las luces (1954) Magritte hace más precisa su concepción de poesía:

“Así, lo que aparece representado en el cuadro son las cosas de las que yo tuve una idea, es decir, exactamente, un paisaje nocturno y un cielo tal como lo vemos a pleno día. El paisaje evoca la noche y el cielo evoca el día. Esta evocación de la noche y del día me parece estar dotada del poder de sorprendernos y de encantarnos. A este poder yo lo llamo la poesía.” [15]

Y en uno de los ensayos incluidos en Las palabras y las imágenes, colección de ensayos publicada en 1994, escribe:

“La poesía escrita es invisible, la poesía pintada tiene una apariencia visible. El poeta que escribe piensa con palabras familiares y el poeta que pinta piensa con figuras familiares del mundo visible. Yo sólo me preocupo de la pintura poética, que no hay que confundir con una pintura literaria. Yo concibo la pintura como un arte de yuxtaponer los colores de tal forma que su aspecto se esfume para dejar aparecer visiblemente una imagen poética.”[16]

No quepa duda que esta fusión entre arte, vida, pensamiento, palabra e imagen que encontramos constantemente reiterada por Magritte es también el espíritu que unifica toda la obra de la chilena. Cada uno de sus montajes escénicos consistía en una elaboración de esa síntesis. Tita Parra (nieta de Violeta) nos recuerda que en la casa “el trabajo cotidiano era el trabajo artístico”. Para añadir: “[…] repleto de metáforas abiertas que debían ser resueltas por el pueblo”. [17] También es evidencia importante que cuando la Carpa de La Reina fue inaugurada (diciembre de 1965) tenía la intención de convertirla en una Escuela Nacional de Folklore, con peña nocturna, en la que se enseñarían música, danza y artes plásticas. Aunque al momento recibió financiamiento por la Municipalidad del mismo nombre, gestión debida al alcalde, don Fernando Castillo Velasco (futuro rector de la Universidad Católica de Chile), bajo la dictadura de Augusto Pinochet el espacio fue abandonado y urbanizado. Desde el 2012 una estatua conmemorativa, a penas, marca el lugar.

En el documental que he mencionado en los inicios de esta reflexión, Magdeleine Brumagne le pregunta a “la Violeta”: “Si te dieran a escoger una entre todas tus artes, ¿con cuál te quedarías?” De forma inmediata contestó: “Yo me quedo con la gente. Porque la gente es el motivo principal de mi arte”. Entonces, que valga su presencia.

[1] Es más impresionante el dato si pensamos que en muchos casos tuvo que reconstruir los versos de algunas de esas canciones lo que suponía una extendida y paciente labor de búsqueda y entrevistas por los lugares más remotos de Chile.

[2] No solo los escribía y contaba. Confirma Alfonso Alcalde que muchas fueron “las historias en verso y prosa que recogió tierra adentro, en medio de la burla de otros artistas que garantizaran su locura”. P.62.

[3] Pueden verse las expresiones de Brumagne en el documental Viola Chilensis, escrito, producido y dirigido por Luis R. Vera para la Fundación Violeta Parra.

[4] En Viola Chilensis.

[5] En Michel Melot. Breve historia de la imagen. Madrid: Ediciones Siruela, 2010.

[6] Entrevista para Viola Chilensis.

[7] Tomo el comentario tal como se cita en: Tamara Estay. “La tradición de arpilleras en Chile”. 7 de noviembre de 2012. Santiagocultura.cl/2012/11/07/tradicion-de-arpilleras-en-chile/#_f+n1. El texto de Estay hace referencia al texto de Marjorie Agosin. Tapestries of Hope, Threads of Love. The Arpillera Movement in Chile 1975-1994. Alburquerque: University of New Mexico Press, 1996.

[8] En Tamara Estay. “La tradición de las arpilleras en Chile”.

[9] Era también notable su obra como artesana en barro.

[10] Esta exposición de 1964 resulta ser la única individual por una artista latinoamericana en el Louvre. Pavillon de Marsan, Museo de Artes Decorativas. El catálogo se cita parcialmente en el prólogo que escribe Javier Martínez Reverte para Violeta del Pueblo (Visor Madrid 1996) y por Alfonso Alcalde en el ensayo preliminar para Toda Violeta Parra (Ediciones de la Flor, Uruguat, 1974).

[11] Juliano, María Cultura Popular. Cuadernos de Antropología. Editorial Anthropos. Barcelona,1986.

[12] Nicole Everaert-Desmedt. “La comunicación artística: subversión de las reglas y nuevo conocimiento”. (p. 75) Aparece en: Bárbara Fernández Taviel de Andrade. Ver y leer a Magritte. Castilla-La Mancha: Ediciones de la Universidad, 2000.

[13] Traducido y citado en: Juan Herrero Cecilia. “La estética del simbolismo y del surrealismo y su relación con la pintura poética de René Magritte”. (p. 52). Bárbara Fernández Taviel de Andrade. Ver y leer a Magritte. Castilla-La Mancha: Ediciones de la Universidad, 2000.

[14] En Everaert p. 91.

[15] Herrero Cecilia. P. 53.

[16] P. 52

[17] En Viola Chilensis.

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Apple: Our stores are your 'town square' and a $1,000 iPhone is your 'future'


Apple has summoned friendly press to its new Cupertino campus to christen the Steve Jobs Theater with the introduction of a new set of products to hit the shelves this Fall.

CEO Tim Cook used the occasion to showcase updates to the AppleTV and Watch lines, while a new, eye-wateringly expensive iPhone model stole the show.

Fanbois? Nope, you’re all X-philes now

The fabled “one more thing” this year was the not-so-secret iPhone X. Dubbed the “future” of Apple’s flagship product line, the iPhone X (pronounced “ten,” like the numeral) has no home button and features a display that covers the entire face of the handset.

Cupertino idiot tax is alive and well

It also features additional hardware on the front side to power Face ID, a log-in system that recognizes the user by the countours of their face. Apple claims the system, said to be even more secure than the Touch ID fingerprint reader, reads your face and works even if you grow a beard, wears glasses, or otherwise alter your appearance.

Other new features include:

  • “Animoji” icons that match the emoji’s expression to your own face.
  • Support for augmented reality integration with games and apps (such as imposing gameplay over a table top).
  • Wireless charging through the Qi power standard.

Released to mark the 10-ish year anniversary of the iPhone, Apple execs claim the iPhone X is a glimpse into the future of the line.

“With the introduction of iPhone ten years ago, we revolutionized the mobile phone with Multi-Touch,” boasted Sir Jony Ive. “iPhone X marks a new era for iPhone – one in which the device disappears into the experience.”

Getting in on that “new era” will come at a price, though. Apple says when the iPhone X arrives on November 3 (orders begin October 27), it will cost a minimum of $1,000 to own.

If you don’t want to shell out a grand for a new smartphone, Apple is also upgrading the boring old button-enabled, thumbprint-reading prole iPhone models. The iPhone and 8 Plus will feature some of the hardware upgrades of the iPhone X, such as the wireless charging, improved A11 ‘Bionic’ SoC, and augmented reality app support.

The iPhone 8 and 8 Plus will also sport improved cameras, a glass back for the wireless charging, and a better-quality “Retina HD” display that Apple says is better able to handle ambient light.

iPhone 8 and 8 Plus

Water resistant, for the tears of children who wanted the iPhone X

Those models will arrive on November 22 and will have slightly more reasonable starting points:

  • The 4.7-inch iPhone 8 starts at $699
  • The 5.5-inch 8 Plus starts at $799

Three days before the new iPhones hit, Apple will post the iOS 11 update. In addition to support for the new handsets, iOS 11 will bring with it the augmented reality app support and a new set of voices for Siri.

Apple Watch goes full Dick Tracy, and AppleTV hits 4K

The iPhone wasn’t the only line to get an upgrade today. Tim Cook also took some time to highlight new features for the Apple Watch, including the much-anticipated introduction of cellular connections.

Apple Watch Series 3

Apple Watch, now with useful features!

Through an on-board SIM card and LTE antenna, the new Watch can send and receive broadband data. This means that, among other things, the Apple Watch can make calls and stream Apple Music songs without needing to be constantly tethered to an iPhone.

“We believe the addition of cellular will transform the way people use Apple Watch, providing a new sense of freedom since they can stay connected with or without their iPhone,” says Apple COO Jeff Williams.

The cellular connection will cost you a bit more, however. Apple said that the Watch Series 3 will start at $399 with the cellular connection and $329 without. As the Watch requires an iPhone, the data consumption will be handled through the phone contract.

To keep up with the newest crop of HDTVs, Apple is updating the AppleTV to include support for 4K movies and live sports. The company says that all existing HD movie titles on the Apple that have 4K versions available will get them free of charge, and the AppleTV interface will be redone at 4K resolution.

The retail thing is getting a little weird, guys

Apple also provided an update on plans for its ever-growing line of retail outlets, including new services it will be offering in the larger stores.

For starters, the biggest Apple Stores will feature what the company calls “Town Squares,” Apple-owned open spaces it says are meant for people (even Android PC owners, presumably) to gather and talk and maybe, since they’re already here, drop some more money on new Apple gear.

If the idea of the Town Square being co-opted by Apple wasn’t weird enough for you, there will also be tree-laden “Genius Groves” where you can have your Apple gear repaired, and Apple-branded “Avenues” in place of what we used to call “shelves.”

This is all totally normal and OK. ®

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The Joy and Pain of Buying IT – Have Your Say

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Los umbrales de la interperie


fotos por Víctor Vázquez.

Todo artista se esfuerza, en cuanto puede, por cultivar un conjunto de vectores o líneas de fuerza que marcan un designio de vida. De los frutos de ese esfuerzo van tomando forma los múltiples aspectos de una singular obra de arte. Este esfuerzo es vital porque pone en juego el vestigio de los pensamientos, pero también la actividad y el dinamismo de un cuerpo. Se trata de un cuerpo mortal y de un pensamiento finito ciertamente. La finitud es, en el arte como en la vida, en la ciencia como en la filosofía, tanto la forma de lo que aparece como el límite de la desaparición.

Resulta, sin embargo, que ese entre juego del aparecer/desaparecer, que tanto disfrutan los niños y que puede llegar a ser insufrible para los adultos, se disipa en lo ilimitado de una trayecto y lo infinito de un recorrido que anteceden y sobrepasan por completo el supuesto de la ‘individualidad’. Lo singular de una obra consiste en la distintiva labor que es capaz de conjugar el sentido de los límites con los confines de lo ilimitado; la precisión de las formas con el fulgor de lo infinito.

Por esta razón, antes de que se forjara en Europa y Occidente, el concepto de obra de arte y el rasgo individual del artista, los cuales llegarán a ser inseparables, recordémoslo, del mercado y de la crítica del arte, había una experiencia artística. Un derroche de  anónimas singularidades, como lo demuestra las conmovedoras pinturas rupestres de Lascaux, Altamira o Ardèche; para no decir nada de los pueblos asiáticos, africanos, de Oceanía o de la América precolombina.

Cabe entonces preguntar: ¿cómo pensar la historia del arte si la experiencia artística ya está ahí, vibrante, en la llamada prehistoria y entre los llamados pueblos primitivos, mucho antes de que apareciera la idea del artista, el distintivo de su autoría y el prestigio de su autoridad? La experiencia artística resulta inseparable del conjuro – y de las primeras conjeturas –, en torno a los sonidos, los olores, el tacto, la visión, el gusto, el color, la línea, la forma; pero también, la animalidad, el vuelo, los sueños, el lenguaje, el erotismo, la sexualidad, como tan bellamente ha demostrado Georges Bataille en Las lágrimas de Eros (1961) y, más recientemente, Werner Herzog con su memorable documental Caves of forgotten dreams (2010).

Conviene distinguir, en consecuencia, entre la historia del arte, el concepto de obra de arte y la experiencia artística. En el Pulguero de Víctor Vázquez están los índices, los pulgares, las huellas digitales, de una decidida experiencia artística que indaga en el concepto de obra de arte, para recuperar el sentido prístino o primigenio de dicha experiencia. Allí está el silencioso video del personaje abriendo y colocando, con la diligencia y cautela de las manos, las bolsas vacías de papel, para recogerlas, envolverlas de nuevo, y colocarlas, una y otra vez, en la cadencia rítmica de sus lugares. Se trata de una ascesis, de un ejercicio o práctica artística, de un atletismo espiritual, para valerme de una expresión de Antonin Artaud.

A tono con esto, nada casualmente el umbral de la exposición, que es también el alumbramiento de un momento de conciencia, se posa sobre el claroscuro de dos zapatitos que bien podrían ser los de un niño o adolescente espeleólogo que recién abandonara su cueva. Allí están el barro, los ladrillos, las piedras como fieles testimonios de lo ancestral. Y un poquito más allá, la cajita con su pelotita de fútbol, y esa otra luz que resalta el revelador signo de interrogación ?, para el que no hay respuesta alguna. Nos movemos un poco más y vemos el cubilete, bajo un bombillo encendido, repleto de objetos desechables, a la manera de un pequeño ministerio de desperdicios sólidos, con una inscripción que dice, simplemente: open.

Alzamos la vista, nos movemos hacia la derecha, con la mirada atenta, y vemos, sobre el número 39 (treinta y nueve: las tres voces del 3 que es el umbral del 10, uno y cero a la vez): la imagen de unos espejuelos sobre una nítida superficie, la cual recoge, como si fuera un espejo, sus propios reflejos. Al fondo se perfila un pequeño horizonte –punto de fuga y límite de la mirada –, donde se lee: OPEN EYES.

El Pulguero se presenta, de entrada, como un espacio libre para abrir los ojos y mantener la mente despierta. La obra de Víctor Vázquez evoca, a mi entender, ese ancestral experimento humano consigo mismo, para lidiar, en el doble sentido lúdico y agónico de la palabra, con aquello sin lo cual no habría experiencia artística: el desamparo. Me atrevo a afirmar que el conjunto de la obra de nuestro excepcional artista, querido y viejo amigo mío, es una meditación sobre el paciente cultivo de la obra de arte y la naturaleza de sus artificios: cultura, natura.

La experiencia artística puede llegar a ser, en efecto, uno de los más genuinos amparos de la condición humana. En este sentido, si bien la obra de Víctor se realiza desde la pequeña pero hermosa e intensa isla que le tocó nacer, su esfuerzo consiste también en no dejarse atrapar en las delimitaciones culturales y geopolíticas de su país. Un país demasiado aislado, no ya sólo de su contexto caribeño e iberoamericano y del resto del mundo, sino sobre todo de sí mismo, de sus propias fuerzas creadoras.

Lejos de refugiarse o identificarse con dichas delimitaciones y aislamiento, el singular experimento estético, y político, de Víctor Vázquez, las atraviesa y traspasa para sostener, desde hace ya varias décadas, la milenaria inquietud en torno a lo más elemental, a lo más básico, para lo cual se ha perdido la vista, precisamente por ser lo ineludible que no se quiere ver.

Por eso está ahí, por ejemplo, el testimonio de los huesos, los huesitos derramados de una hoya, a la manera de un perspicaz recordatorio de la contingencia, del azar indescifrable. Ahí están la sangre, la tierra, los papeles, las sombras que recorren las escaleras de unas ruinas; la hembra desnuda con sus cicatrices fálicas; los montones de medias o calcetines, la febril acumulación de los que no tienen techo; el sable, el machete, la cabeza rapada con las púas incrustadas, los tenaces restos de la madera; el pequeño navío ancestral, con sus palas como mástiles, a la manera de unas inverosímiles consignas de altamar, el naufragio de la tierra; y un libro prodigioso titulado Paradiso.

Ahí están también el pliegue de las páginas, las manos, el gancho; y la intrigante fórmula en rojo y negro, inscrita en el suelo con los cordones y su nudo, a la manera de un silente rostro ovalado, que dice: HERE NOW. Palabras estas que se prestan a un juego semántico que sólo es posible en la lengua inglesa: NOW HERE / NOWHERE. De eso se trata: aquí ahora y en ninguna parte. No hay a dónde ir ni en dónde quedarse. Esa es la inasible fuga por las que sea abren los umbrales de la intemperie.

Sorprende y resulta admirable la cuidadosa disposición de la superficie de la sala, la curaduría, por la que los artificios aparecen con toda su espontánea naturalidad. Se diría que se quiere dar a entender la desigualdad de dos tiempos: el tiempo de la experiencia artística y el tiempo que se quiere imponer en nombre de una realidad secuestrada por el falso realismo del capitalismo y sus tecnologías de la comunicación y la información. De ahí la verdad de lo que lo que está a la intemperie, al descubierto (ἀλήθεια, alétheia), sin techo ni otro reparo alguno, asumiendo la viva opacidad de lo existente.

A la luz de esto, puede pensarse la obra de arte como un acontecimiento singular e intempestivo que trastoca las expectativas y percepciones habituales de las coordenadas espacio-temporales. Una obra de arte nos saca de tiempo, del tiempo rígido, forzado de nuestros hábitos cotidianos, para integrarnos al espacio de una temporalidad indefinida, es decir, una in-temporalidad que, lejos de trascender el mundo, lo recupera y afirma en medio de la in-mundicia, de la casi inefable basura humana. Con razón pensaba Marcel Duchamp en términos de lo inframince, un concepto creado por él para designar, por decirlo así, el valor absoluto de la insignificancia, de lo que pasa por desapercibido. Como por ejemplo, lo que queda de la imagen cuando se retira del espejo, o los restos del humo cuando se extingue una llama.

Podemos, hablando de Duchamp, y a propósito de esta exposición, reformular una de esas mordaces preguntas suyas, que en su momento dio mucho que hablar, y que hoy sigue más vigente que nunca: Peut on faire des ouvres qui ne soient pas “d’art”? («¿Se pueden hacer obras que no sean [obras] de arte?») Recordemos que la palabra ‘arte’ proviene del latín ars, artis, lo cual es a su vez la traducción del griego τέχνη, esto es, técnica. La pregunta es, por un lado, retórica, pues resalta el hecho de que todo lo se que hace es el fruto de un artificio. El verbo ‘hacer’ proviene de facere, el cual está emparentado con fictio y, por lo tanto, con fictum.

El artificio es, pues, el oficio de la ficción. De ahí el verbo fingo, ‘fingir’, que literalmente significa ‘dar forma’, ‘figurar’. No hay que obviar, en esta época digital y cibernética que es la nuestra, que se trata de una actividad manual, el contacto primario con la materialidad de las cosas y la sensualidad de los cuerpos. Desde esa perspectiva, no hay manera de no hacer una obra de arte, pues aún los cuerpos, en su más íntima desnudez, son recreados por las ínfimas percepciones, como diría Leibnitz, que conforman las imágenes mentales. Desde el momento en que hablamos o pensamos, desencadenamos la fictio o ficción de nuestros pensamientos. Por eso existen los sueños; por eso existe el arte, el artista, el poeta que es un fingidor, un artesano de la ficción. (Fernando Pessoa: «El poeta es un fingidor. / Finge tan completamente / Que llega a fingir que es dolor / El dolor que de verdad siente.»)

Sin embargo, desde otra perspectiva, la pregunta de Duchamp es una manera de investigar lo que se ha llamado ‘obra de arte’, planteando un contundente desafío: ¿Se está en condiciones de entender lo que deviene, lo llega a ser una obra de arte, más allá de los marcos institucionales, comerciales, mercantiles? Desde esta perspectiva, la pregunta concierne, no ya solamente a la ficción, sino a lo que podríamos llamar el experimento con la verdad, es decir, con las condiciones reales de la existencia.

En este sentido, la experiencia artística, y no ya solamente la obra de arte, adquiere un sentido ético y ontológico, es decir, se convierte en una investigación crucial y decisiva sobre la existencia, sobre lo que es o está siendo (όντος, óntos), para así ensayar nuevas formas de vivir y habitar este mundo. En otras palabras, no hay que confundir las ficciones verdaderas con el mero artificio de la ficción.

Por eso hay que cuidarse de las banalidades, como la de pensar que ‘todo es arte’; o de que cualquier cosa puede llegar a ser una ‘obra de arte’. El asunto no está, a propósito, ni en el ‘cualquiera’, ni en la ‘cosa’. Esto es importante enfatizarlo, pues vivimos en el Reino de Cualquiera, bajo el ya mencionado régimen del capitalismo tecnológico, donde cualquiera puede llegar a ser cualquier cosa, creyéndose libre cuando no se es otra cosa que un esclavo, es decir, un adicto de la gran máquina cibernética, por más dinero que se tenga o por más poderosa que sea su imagen. En efecto, nunca antes se habían visto tantas uniformes maneras de luchar por la servidumbre, creyéndose que se lucha por la libertad, para valerme de una célebre frase de Spinoza.

He ahí la dimensión política de la experiencia artística, en tanto que desafío y cuestionamiento radical de un supuesto orden mundial, cuyo progreso se sostiene con el vampirismo, la destrucción del ánimo y la usurpación del tiempo propio de cada cual. La clave de la experiencia artística está en el despliegue de una singular plasmación que obliga a pensar y sentir de muchas maneras la potencia de la actividad creadora o poética y la verdad de lo que implica nacer y morir. Pero de eso, muy poca gente quiere saber, pues no hay más fácil refugio que el asilo de la ignorancia.

Anteriormente he dicho que en esta retrospectiva de Víctor Vázquez es una meditación sobre el cultivo de la obra de arte y la naturaleza de sus artificios. Precisemos ahora que la palabra ‘meditación’ no indica solamente una actitud reflexiva o introspectiva, en el sentido cartesiano o fenomenológico del cogito, del ‘yo que piensa’. Significa, sobre todo, recogimiento, esto es: el acto de volver, una y otra vez, a estar consigo mismo. Sólo desde ahí es posible estar con los otros. Porque estar consigo mismo es estar con ese más otro de los otros que cada uno, momento a momento, llega a ser o está siendo.

Se trata de un estar con ese «algo que no tiene nombre» y que «es lo que realmente somos»; no ya solamente «dentro de nosotros», como dice la hermosa y sabia cita de Saramago, sino también, añadiría, adentro de ese afuera que nos habita del todo: la tierra, el agua, el aire, el fuego, los espacios siderales, el universo entero. Así, lo telúrico, tan presente en la obra de Víctor, se vuelca para acoger celeste, a la manera en que las piedras atesoran la silenciosa música de las esferas.

De ahí la pertinencia de pensar en términos de umbrales e intemperie, a propósito de esta exposición. Ambos pueden considerarse como conceptos topológicos. La topología puede definirse como la rama de las matemáticas que estudia la continuidad, tan precisa como difusa, de la configuraciones en un espacio que se abre de manera imprevisible al trasfondo abismal de lo real. En cualquier caso, se trata del punto álgido de confluencia de la materia y de la mente, siendo ambos igualmente insondables. ¿Dónde empieza y acaba una línea? ¿Cuál es la dimensión de un punto? Antiguas y elementales preguntas que ponen en perspectiva la potencia infinita del pensamiento.

Al movernos en el Pulguero en dirección a la sala adjunta, donde aparecen las sillas, que son o están ahí para no sentarse, pues carecen de espaldar, de asiento para el amparo, se nos revela una configuración que continúa la superficie de la otra sala. El contraste no puede ser mayor. En la sala amplia, el umbral es la entrada a un espacio por el que se puede andar libremente; en la sala más pequeña y recogida, los umbrales están marcados por un hilo que sirve de límite para el recorrido, como si se quisiera con ello indicar el horizonte de lo inadvertido.

Ahí, el límite que pende de un hilo podría hilvanarse con el fotograma de esas otras sillas, amontonadas en un terreno anónimo, en la pendiente de otra imagen y sus secuencias en la sala grande. Conllevaría mucho espacio poder destacar la riqueza metafórica y metonímica de esta exposición. Me limito a mencionar la mano abierta y extendida (¿masculina?) que sostiene la imagen ovalada de un huevo con el dibujo limpio de una hoja (el huevo cósmico, se diría, con la hoja de la vida); o la otra mano (¿femenina?) que sostiene la vela encendida.

La sala pequeña podría denominarse el Salón de la Pureza. Si diría que para entrar allí, para ver detenidamente las intrigantes figuras que reposan sobre esos pliegues que parecen brotar de la tierra, hay que purificarse. Por su blancura; por el olor perfumado del polvo talco, por las cenizas («No se puede hablar de imágenes sin hablar de cenizas.»), por el polvo enamorado de los muertos («Para entender a los vivos hay que comunicarse con los muertos.»), por todo lo que se invoca en el generoso espacio del Pulguero.

Hay que recuperar las alas del deseo para entender muchas cosas; para realmente entender lo que significa desear, querer, amar. Hay que aprender a volar, como las mariposas, y posarse como las moscas. Podrían evocarse al respecto estos versos de la gran poeta Emily Dickinson, pienso que oportunos para los que arriesgo una traducción, pensando también en la expresión inglesa Flea Market, y conjugando los significantes Flea, Fly y fly:

The Butterfly is honored Dust
Assuredly will lie
But none will pass the Catacomb
So chastened as the Fly –

Polvo honorable es la mariposa
Así de segura yacerá
Pero nadie habrá de pasar la catacumba
Tan casta como la mosca que volará –

Las mariposas y las moscas pueden tomarse como la casta compañía de la intemperie, de esa morada al aire libre que constituyen las maniobras del Pulguero. «‘Pulguero’ es el lugar donde hay muchas pulgas; lugar que puede ser tanto un perro como los pelos o cabellos del humano.» Esta definición del Diccionario de la Lengua Española no incluye el sentido de lo que en inglés se llama Flea Market, es decir, ‘Mercado de pulgas’. Víctor Vázquez ha logrado más que dar un significado académico; ha desplegado una memorable experiencia artística de la que hay estar profundamente agradecidos.

*Ponencia leída en el Foro Tres aproximaciones a la obra de Víctor Vázquez, celebrado el 9 de agosto de 2117, en el Museo de Arte de Puerto Rico.

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Nova Scotia Plein Air Painting Retreat: Part 2



Back Bay, Chester
9×12 oil by Michael Chesley Johnson
Available

[For Nova Scotia Plein Air Painting Retreat Part 1, click here.]

Tuesday we headed in the other direction, to Terence Bay.  Terence Bay is the site of another tragedy.  In 1873, the SS Atlantic wrecked with a loss of 560 souls out of about 990 passengers.   The ones recovered are buried in a mass grave just below the Anglican church that overlooks the bay.  A trail takes you through the cemetery and to a memorial for the lost.  A very nice interpretive center tells the story and also raises funds for restoring the Terence Bay lighthouse.

SS Atlantic Memorial and Burial Site
Terrence Bay Light

The area around the lighthouse is very beautiful:  rugged, windswept, waves crashing.  But the wind was blowing so hard that painting anywhere but in a foxhole was impossible.  I found the equivalent of a foxhole—a little hideaway between some rocks near the waterline.  Sitting on a rock lowered me even more, and with my back to the wind, I was comfortable enough.  Except for my buttocks.  I ended up sitting on my roll of paper towels, which was quite cushiony.

Painting at Terrence Bay

How the Innovative Painter Keeps His Spirits Container from Tipping Over

Terrence Bay
6×6 oil by Michael Chesley Johnson
Available

Afterward, Trina and I went off exploring again, following every little road that seemed like it might head to the water.  One place, a small bridge connecting Hennessey Island to the mainland, seemed the perfect serene spot, but it could only manage one or two cars, so was unsuitable for a group.  Sometimes you just have to go with taking a few photographs.

Peggy’s Cove, Morning
9×12 Oil by Michael Chesley Johnson
Available

Following the explorations, we found ourselves back at Peggy’s Cove again.  That place is truly irresistible for a painter.  Town wasn’t quite as busy as the holiday weekend, so I set up in a more open spot.  I parked my car back at the information center and hiked into town where I saw some cars parked. This seemed very much a public spot to me.  The cars were from a variety of places, including Texas, and so I set up two feet in front of them on the gravel pad with a view of some fish houses.  About halfway into my painting, I heard a car horn behind me.  I usually ignore those, because the noise is always meant for someone else.  But after about ten blasts, I turned to see what the problem was.  Two guys in a car were looking at me.  The driver, shouting across his passenger, asked if I had permission to paint in that spot.  I responded, “It’s public, isn’t it?”  “No, it’s not,” he said.  Flustered, I apologized, but then he said it was all right but he usually asks for a painting in exchange.  I replied we’d have to see how this one turned out.  After he drove off, I just couldn’t get rid of the fluster, especially after the embarrassment of all that rude horn-blowing.  I always try to do the right thing and feel terrible if I’m chastised.   So, I hurriedly applied a few final strokes, packed up and left.

I was positive I had set up on public property.  After all, there were cars parked there with plates from other provinces and even the US.  Later, discussing this with the others, we decided this was a local joker just giving me a hard time.  But maybe he really was the property owner, and I was indeed trespassing.  I know signs can be ugly in a tourist town, but private property where parking is a free-for-all should be clearly marked as such.   Maybe the guy thought I belonged to the car from Texas.

(As an aside, I should say that the day we set up on Lobster Lane, we made sure to stay at the edge, keeping the way clear for traffic.  This is a one-lane road that goes to a couple of cottages and a fish house or two.  A lady from the information center saw us there and said, “It’s okay to paint there, but just to let you know, sometimes the cottage owner will need to get through.”  And the Peggy’s Dogs lady said she had no problem with us painting a few feet from her cart.)

The DeGarthe Studio (right)

I de-stressed by visiting the DeGarthe Art Gallery, right across the street from the information center.  I’d never heard of William DeGarthe until we started researching this retreat.   From Finland, he came to Canada at 19 and finally settled in Peggy’s Cove, where he sold paintings to tourists.  It wasn’t long before he developed a bevy of collectors, including the Imperial Bank of Canada.  After he died at age 75, his widow donated part of his work to Nova Scotia, which established a provincial park with his home in Peggy’s Cove as the centerpiece.  The home is now the museum.  His studio, unmarked, sits down by the water, a lonely red building with that iconic view of the cove.  The paintings in the museum seem to show two different types of painting:  quick sketchy oils for the tourist trade, and more larger, more finished paintings destined for collectors.  DeGarthe was also a sculptor; you can see a nearly-finished sculpture carved into a rock ledge behind the home, the “Fishermen’s Monument,” which contains 32 figures.  The ashes of both DeGarthe and his wife are interred in the monument.

Peggy’s Cove Sublime
8×10 oil by Michael Chesley Johnson
Available

Wednesday was a day of not just wind but also fog.  Even so, we went back to Peggy’s Cove, where I did a demonstration at a spot overlooking a little cove, the water of which seemed incandescent in the fog.  I did a second painting for myself here as well, after a cup of coffee at a little shop down the road.  Afterward, we did some more exploring and ended up on Croucher’s Point Road and visited the eponymous gallery, which has some wonderful work by William Rogers, Ivan Fraser, and others.

Later, as we continued to explore, we found a delightful spot on Paddy’s Head Road in Indian Harbour with a view of the Indian Harbour lighthouse.  I did a quick painting and met another artist who lives nearby.  We had a pleasant chat, and she welcomed me as another artist enjoying her view.  Shortly, her grandchildren from British Columbia joined her, and they went down to the beach on the other side of the road.  I’m sorry my car alarm went off went I bent over with my keys in my pocket, disturbing their afternoon.

Peggy’s Cove Preservation Area

Thursday, the rain came.  We’d been hearing it was coming all week, but were pleased it held off that long.  The only ones who painted were one or two participants who didn’t mind tweaking plein air paintings in the dim light of the garage.  (It’s almost impossible to rent a space that also has an area suitable for painting, but fortunately, we had an empty garage.)  We all went out for lunch at Rhubarb, just up the road, and afterward, the rain changed over to scattered bits of drizzle, so Trina and I took a walk on a short trail in the Peggys’ Cove Preservation Area.  The trail goes up a nearly-treeless bluff with granite boulders and a fine view of the cove.  The rolling breakers were awesome, and you could sense their power from afar.

Gateway (Chester)
9×12 Oil by Michael Chesley Johnson
Available

Friday, our last day, we drove off for Chester.  A painting acquaintance recommended it, and our scouting trip earlier in the week proved it had some good scenery.  Chester is a quiet little village, somewhat gentrified in that its waterfront hosts mainly pleasure craft; I don’t think I saw a single work boat other than the Tancook Island ferry.   A great town for walking in, you can get some excellent coffee and visit some galleries plus enjoy the waterfront, all on foot.  (Sure, you can drive if you want to, but just park at Parade Square Road by the Chester Yacht Club and go for a stroll.)  It was such a beautiful day, I made two paintings before we headed home to pack and for our farewell dinner.

Preparing for Critiques

Our Happy Group

So, it was a great week.  I was happy to learn there’s a lot to see and paint on Nova Scotia’s South Shore.  I even enjoyed the spectacle of all those motor coaches lining up in Peggy’s Cove.  (Maybe that was a perverse enjoyment, but there was plenty of room for everyone and spots to paint in away from the crowd.)  I especially enjoyed where we stayed, as McGrath’s Cove, though a short drive from Halifax, was quiet enough that it felt much more remote.  I’m sure we’ll go back for another retreat.

Speaking of retreats, I am putting together a very special retreat for August 12-17, 2018, in Lubec, Maine.  This retreat will have participants lodging at West Quoddy Head Station, a beautifully renovated US Coast Guard station.  Stay tuned for details!—
Michael Chesley Johnson, AIS PSA MPAC PSNM
www.MChesleyJohnson.com

de heilige Markianos en zijn vrouw Pulcheria


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De heilige Markianos met zijn vrouw Pulcheria, de zuster van Theodosios de Jongere die in 438 de relieken van de heilige Johannes Chrysostomos met grote praal naar Constantinopel had teruggebracht. Ook Pulcheria had bij de kist vergeving gevraagd voor de misdaad van hun ouders. Markianos regeerde als keizer van het byzantijnse rijk van, 450 tot 457. In 451 vond het 4e oecumenische concilie plaats te Chalcedon, waar de ketterij van Eutyches veroordeeld werd (zie 16 juli).
Pulcheria was na de dood van de zwakke Theodosios de erfgename van de troon. Zij had van jongsaf de gelofte afgelegd als maagd te leven, maar omdat ze inzag dat de grote problemen van het rijk een sterke bestuurder nodig maakten, trad ze in het huwelijk met Markianos, die eveneens de kuisheidsgelofte had afgelegd. Ze zouden hun geloften niet breken en toch samen regeren.
Het door hen bijeengeroepen concilie kon in het begin niet tot overeenstemming komen. Zij wilden geen druk uitoefenen, zoals in Efese gebeurd was, en besloten toen een duidelijk teken van God te vragen. In die tijd werd de heilige Eufemia hoog vereerd. Men bracht de kist met haar relieken in de vergaderzaal, en daarin werden twee rollen met de verschillende geloofsbelijdenissen neergelegd. De kist werd verzegeld, en men bleef daarbij gedurende drie dagen en nachten onder vasten en gebed. Daarna werd de schrijn geopend. De rol met de monofysitische belijdenis lag toen onder haar voeten, maar de geloofsbelijdenis van Nicea hield zij in haar hand. Hierdoor werden allen overtuigd, en de orthodoxie werd plechtig bezegeld.
Zo keerde eindelijk de rust terug in de kerk en ook de andere moeilijkheden konden ter hand worden genomen. De Hunnen, die onder Atilla waren binnengevallen, werden verdreven. Er werden ziekenhuizen ingericht en kerken gebouwd, onder andere de beroemde kerk van de Moeder Gods van Blacherna. Daar werd onder andere de gordel van de heilige Moeder Gods bewaard en de niet met handen gemaakte icoon van de Verlosser (mandilion). Markianos en Pulcheria namen deel aan de noden van het volk en vergezelden hen te voet bij de processies en gaven zo in elk opzicht het voorbeeld van een christelijke regeerder. Pulcheria stierf reeds in 453 (10 september), en Markianos op deze dag in 457.

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Nova Scotia Plein Air Painting Retreat: Part 1



Peggy’s Cove, Afternoon
9×12 Oil by Michael Chesley Johnson
Available

Most landscape painters in the eastern US and Canada have heard of Peggy’s Cove.  Much like Monhegan Island and Cape Ann, this little village is legendary among artists.  Tucked into a quiet corner of St Margaret’s Bay on Nova Scotia’s South Shore, it maintains the feeling of an old harbor town.  Imagine lobster boats, fish houses, crashing waves, even a lighthouse—all of it painted in tones of raw umber, burnt sienna and yellow ochre.

I’d never been to Peggy’s Cove, and as a painter, I wanted to see what all the fuss was about.  With that in mind, I organized a plein air painting retreat with a few others.  Our retreat was based in nearby McGrath’s Cove, where a short drive along Peggy’s Cove Road would take us to that famous destination.

Trina and I planned to arrive at the retreat by mid-afternoon Saturday.  Since we’d spent the night on the way from Campobello Island in Salisbury, New Brunswick, we had extra time, which allowed us to pick up groceries for the week and to make a preview stop at Peggy’s Cove.  But first, we visited the Swissair Flight 111 Memorial, just outside of town.  This little park, nestled among white boulders, memorializes the 229 people on the flight who died when the plane crashed into the bay, only five miles from Peggy’s Cove in 1998.

Next stop was Peggy’s Cove.  When I stepped out of the car, I felt like I’d entered a Hollywood studio backlot.  Little rickety shacks perched on rocks edging the cove, red lobster boats bobbed on their lines tied to little rickety docks, old-fashioned lath lobster traps (possibly rickety) were stacked chest-high—it all looked neatly staged by someone making a film about a long-gone era.

Not a Tourist

But of course, this wasn’t the case.  Peggy’s Cove really is a working harbor.  It’s curious, what with all the tearing down of historic waterfronts up and down the eastern seaboard over the last 50 years, that this place has been preserved.  No doubt this has to do with a forward-thinking populace that understands the value of tourism.

Saturday Afternoon at Peggy’s Cove

Peggy’s Point Lighthouse, with People

Tourism, however, does have its downside, especially for painters.  Granted, it was Labour Day Weekend, but I wasn’t prepared for the throngs milling through town.  I soon discovered the source.  Several motor coaches, including a couple of bright-pink accordion buses, idled in the parking lot of the Sou’wester, a gift shop/restaurant near the Peggy’s Point lighthouse.  Day tourists from Halifax, many of them would enjoy not only the shops and scenery but also the entertainment provided by us plein air painters.  (I am less bothered by this than some, but a couple in our small group found the requests for photographs and questions distracting.)

During this scouting mission, I determined that the town was definitely paintable.  I also figured that if we got there early enough, we would avoid the crowds.  There seemed to be enough room to spread out and enough public spots (as opposed to private property) upon which to set up.  As always, I’m a responsible retreat leader, and I’ve got a good eye for what is public.   (Or I think I do.  More on this later.)

After this, we headed on to our retreat.  The other participants, all previous students who hailed from Illinois, Maryland, New Hampshire and New Brunswick, showed up not long after.  After unpacking, we went to dinner at Shaw’s Landing, a well-known local spot famous for seafood, to set the week’s agenda.  Bedtime came early since we were all weary from our travels.

Right after breakfast on Sunday, we drove to Peggy’s Cove.  It turned out to be a gorgeous September day in the Maritimes.  Sunshine, a gentle breeze, just warm enough so you could dispense with the fleece jacket—what more could you ask for?  We first went on a walk with eyes open for possible painting spots.  It wasn’t a long walk, just from the information center and the DeGarthe Art Gallery, down past Lobster Lane and the fish houses, and on up to the lighthouse, where the road ends and the tour buses begin.  I decided to retreat to Lobster Lane, right beside the old, boarded-up DeGarthe studio, and painted the same view that hundreds of painters have painted before me.  Did I feel that it was hackneyed, clichéd?  Not at all.  I was filled with the excitement of just standing in front of such an iconic view.  Even in retrospect, I find the painting exciting.

Lobster Lane

The throngs arrived about the time I finished.  Remember, this was a Sunday on a long Labour Day weekend.  The Peggy’s Dogs lady arrived around 10 to set up her hotdog cart several feet from us, and the tourists discovered Lobster Lane shortly thereafter.  Two of my painters were still in the early stages of their paintings when the questions began.  By then, I’d already packed up and wandered off to find my next spot.  The tide had gone out, and I discovered that the best place—”best” meaning “where no tourist would go”— was a little corner down below the high tide mark, deep in barnacles and seaweed and backed up against some timbers that shored up a fish house.  Indeed, I painted a little 6×6 undisturbed.

Fish Houses
6×6 Oil by Michael Chesley Johnson
Available

Lobster Lane

Me Painting at Peggy’s Cove

Perched on the Edge, Painting

This was all before lunch.  Trina and I had made bag lunches, so we ate quickly and then headed off on an exploration for painting spots later in the week.  (As responsible hosts, we like to stay one step ahead of our participants.)  Our destination was Chester, a historic harbor along St Margaret’s Bay an hour west of our retreat house.  Chester proved to be a lovely town, and more upscale than the rustic buildings of Peggy’s Cove.

On Monday, we took the group to a place I’d scoped out last summer when I stayed in Lunenburg after my trip to Scotland.  (Lunenburg is about 90 minutes west of McGrath’s Cove.)  Blue Rocks, a tiny community with a scattering of fish houses and boats, is just east of Lunenburg.  Wild and scenic, it became even more so—the wind began to blow around 30 knots, and it would keep up this pace most of our week.  At the end of the road, we finally found ourselves on the lee side of the point, where we could paint in relative comfort.   There was plenty of parking for us, but it became rather crowded when the wedding party showed up with kayaks.

Blue Rocks
9×12 Oil by Michael Chesley Johnson
SOLD

Yes, there was a wedding that took place on a little island just across the water from Blue Rocks.  A dozen colorful kayaks were put in, followed by the wedding party and guests, all dressed up in a variety of clothing and footwear, some suitable for kayaking and some not.  By the time the floral arrangements were stowed into the kayaks, I had packed up and was ready for my next bit of exploration.  A few of the other painters, a little slower to get started perhaps, had to deal with all this activity blocking their view.  (If you don’t like tourists asking questions, it pays to be a quick painter.)

The Europa in Lunenburg

Trina and I headed to Lunenburg.  I’d thought about painting there, but the town was busy enough and the waterfront complicated enough that I decided shopping would be a better idea than painting.  We visited some of the galleries (Laurie Swim has a fantastic art quilt gallery there, and we saw a few DeGarthe paintings discounted 50% at a shop filled with eclectic decorative art) and finally had a late lunch on the dock.  It was an exhausting day, so it was an early night.

[I’ll continue with Tuesday and finish my retreat summary in my next post.]—
Michael Chesley Johnson, AIS PSA MPAC PSNM
www.MChesleyJohnson.com

Markianos en zijn vrouw Pulcheria


 

 

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